Cours sur la photo numérique

Conditions d'émergence de la photographie

stephane — 2017-08-15T10:50:54Z

La recherche technologique n'a rien de neutre. Pour qu'une "invention" émerge, il faut qu'elle soit à la fois rendue possible par un contexte préexistant mais aussi rendue nécessaire, appelée, par de nouveaux besoins.
Pourquoi plusieurs scientifiques amateurs - dont Nicéphore Niepce - s'intéressent-ils à la fixation d'une image formée de manière "automatique" au début du 19eme siècle ? Parce qu'un ensemble de conditions sont réunies pour la rendre possible, et désirable.

La révolution industrielle

Le 19eme siècle est celui de la révolution industrielle. Cette révolution est basée sur le capitalisme et sur le duo recherche et développement. Son énergie sera la vapeur, et comme toute révolution, elle bouleverse le rapport au monde de toute la population occidentale, Angleterre en tête.
En 1825, le 27 septembre, moins d'un an avant la première fixation d'une image photographique, a lieu le premier transport de personne par rail : la ligne Stockton - Darlington.
L'idée d'investir dans de la recherche, avec en ligne de mire l'exploitation industrielle des découvertes ainsi obtenues, agite les intellectuels de tous bords depuis quelques siècles déjà . La division du travail est déjà présente même si Taylor ne la théorisera qu'à la fin du siècle, et avec elle a déjà augmenté les capacités de production des entreprises. Associée à la paupérisation des travailleurs en atelier, l'industrie permet un enrichissement spectaculaire de la bourgeoisie, qui ne compte pas stopper la dynamique qui lui confère une puissance sans précédent.

La recherche autour de la fixation des images est assez périphérique des enjeux industriels, mais Nicéphore Niepce, père officiel de la photographie, est le pur croisement du détachement grand-bourgeois et de la curiosité en science appliquées : en parallèle à sa recherche sur l'image héliographique, il a mis au point un des premiers prototypes de moteur à explosion, proposé d'améliorer la machine à Vapeur de Marly, et s'intéresse à la culture du pastel (une plante médicinale). Il finira ruiné tant son intérêt pour les sciences et l'industrie, dans un contexte post-révolutionnaire n'a pas voulu s'encombrer des problèmes de rentabilité.
Voir la nature comme un potentiel à maitriser et à mettre au travail, reproduire des phénomènes, produire des machines, s'appuyer sur la science, créer des outils fiables et quantifiables, tous ces intérêts traversent le siècle et la photographie sera à la fois sujet et source de recherche.

Inventorier le monde pour mieux le dominer

Dans ce contexte d'accélération des découvertes, le monde apparait doucement sous la forme où nous le connaissons : grand mais fini. Pour pouvoir le dominer, le connaitre avec précision, il faut de nouveaux outils. Le 19e est celui d'un colonialisme brutal basé sur des hiérarchies entre cultures et une exploitation des ressources et des peuples, qui a besoin d'outil de construction d'idéologie et de domination. Le système métrique décimal est officiellement adopté en France par la loi du 4 juillet 1837 et s'est déjà répandu en Europe depuis 20 ans. Il s'agit d'universaliser un système de mesure, pour pouvoir ramener des informations fiables et comparables de partout. La photographie va être conçue comme un moyen de ramener rapidement des images de ce monde, à travers des missions (la mission héliographique ou le voyage de Maxime du Camp, par exemple, dans les années 1850). On imagine plutôt la photographie comme une aide au graveurs car la reproduction des images photographiques est complexe, mais l'objectif symbolique est là : il s'agit de capturer le monde.

Voir le lointain et l'invisible

Les sciences demandent plus que de simples images à contempler et à montrer dans les salons d'initiés. D'autres quêtes scientifiques ont besoin d'outils fiables, permettant des études et des mesures. La photographie saura répondre à une partie de ces attentes, et le 19eme siècle verra se succéder la quête de la précision photographique, tant au niveau du détail que de la rapidité des surfaces sensibles.
Le mot "bactérie" est inventé en 1826, attestant du désir d'explorer un monde hors de vue, mais qu'il est essentiel de pouvoir observer pour faire progresser la médecine et la chimie. L'observation astronomique est aussi une quête et les photographies de la lune, permettant d'observer pendant le jour le fascinant satellite. La première photographie detaillée de la Lune est réalisée par John William Draper en 1839, un daguérréotype avec un temps de pose de 30 minutes.

La science, avide d'information fiable, de démonstration et de reproductibilité, va ajouter la photographie à son arsenal.

Guillaume Duchenne de Boulogne déclenche des émotions par stimulation électrique ( 1860).

Eadweard Muybridge, Human and Animal Locomotion, Philadelphia, 1887

Des images pour l'imprimerie

Même si la reproduction d'images photographiques dans la presse est trop complexe techniquement pour le 19eme siècle, la photographie est abondamment utilisée comme bloc-note par les illustrateurs de revues scientifiques, des encyclopédies, de journaux et de revues. La lourdeur du procédé et des appareils photo ne rendent pas possible le photo-reportage tel qu'il va se développer à partir des années 1910 dans le monde, mais la presse voit la demande d'images exploser au cours du 19e et pour y répondre, les graveurs ont besoin de matériel, même si le public n'a pas besoin qu'on lui serve "la vérité".
Disposer de documents précis d'architecture orientale, de plantes en situation, de machines dans un atelier, d'intérieur d'animaux, de portrait de grands hommes ou de recherche archéologique est une aide précieuse pour les armées de graveurs.

Des outils pour la massification de la société

Le 19eme siècle voit des problèmes nouveaux émerger, comme la démographie en hausse et la concentration de plus en plus forte de la population dans les villes, liée à l'industrialisation. Le recensement, le contrôle des flux de migrations à l'intérieur des pays, la surveillance de la criminalité deviennent des enjeux nouveaux, pour des raisons républicaines (éducation nationale, justice, aide à la population) ou de contrôle du pouvoir (identification et neutralisation rapide des agitateurs politiques).

Bertillon imposera la photographie de face et profil, la photographie permettra d'identifier les populations indigènes ou candidates à l'immigration (comme à Ellis Island)

La chimie balbutiante

La photographie demande la conjonction de deux sciences : l'optique et la chimie. Si l'optique est explorée depuis l'antiquité et donne lieu à des usages maitrisés (lunettes, télescopes, et dans le domaine des arts la chambre claire), la chimie du début du 19e siecle est balbutiante. La théorie d'un monde fait d'atomes peine à se faire accepter, et avec elle l'idée que le monde se constitue d'éléments simples et combinables. La synthèse (fabrication artificielle de solutions chimiques) est donc encore expérimentale. Les chercheurs évoquent des théories encore invérifiables. C'est pourtant la chimie qui permettra de fixe une image formée sur une surface plane à l'aide de lentilles. Mais pour ça il faut trouver dans la nature des pistes à explorer et affiner. Des expériences en ce sens seront pourtant lancées en France par Niepce mais aussi en Angleterre par Fox Talbot.

Exercice 12 : Archiver le monde disparaissant

stephane — 2010-05-02T18:27:24Z

La photographie, signe indiciel, est un puissant outil pour garder des traces. Dès son apparition, la photographie va s'atteler à la tâche : conserver des traces du monde disparaissant.

Rétrospective

La somme gigantesque de photographies léguée par les générations précédentes nous émeut parce qu'elle parle de personnes, de lieux, d'époques toutes entières qui ont disparu. Une photographie de place de Brouckère en 1890 offre un spectacle saisissant. On peut y reconnaitre quelques éléments, mais les personnes qui y circulent dans l'après-midi encore fraîche de printemps sont tous morts. Les calèches et aménagements urbains ont été dégradés ou remplacés. La circulation y est ridiculement faible.

De Brouckère : le début 20ème

De Brouckère : les années 50'

Les photographies anciennes permettent de mesurer des distances et de constater les changements puissants qui affectent notre environnement. Il faut dire que la photographie est née avec l'industrialisation et que cette même industrialisation a produit probablement plus de modifications sur les 150 ans dernières années que sur les trois siècles qui l'ont précédé. La modernité a aussi construit un culte de la nouveauté qui a permis aux hommes de détruire dans la joie des pans entiers de la culture.

Tout regard rétrospectif permis par la photographie transforme l'image en document, et tout ensemble de signes en archive.

La nostalgie anticipée

Mais il arrive que des institutions ou plus simplement des photographes aient l'intuition d'un changement majeur, qui va se manifester par la disparition de pans entiers d'une culture et de ses représentants. Certains de ces photographes s'attèlent alors à la lourde tâche de nous préserver de la disparition totale de cette culture en produisant des documents. Ethnologues, passéistes, nostalgiques, fétichistes, documentaristes, représentants d'une culture dominante face à une culture en déclin, derniers représentants d'une culture sans avenir, les profils sont nombreux.
Eugène Atget perçoit l'ampleur du travail de destruction entamé par Haussmann dans les années 1850. La destruction des quartiers populaires continue, et si Atget n'a pas de visée particulièrement politique dans son approche, il comprend que les bouleversements architecturaux affecte aussi la vie sociale de quartiers entiers du "vieux Paris". Après un parcours personnel chaotique, il démarre à plus de 40 ans une carrière de photographe avec la seule ambition de produire de la "documentation pour artistes" qui finira par intéresser les institutions et les artistes surréalistes.
Edward Sheriff Curtis s'invente ethnologue au début du 20eme siècle et recevra d'un magnat du chemin de fer des budgets pour inventorier les peuplades amérindiennes qu'il essaiera de capturer dans ce qu'elles peuvent avoir de plus "traditionnel".
Et étrangement, si les masses de photographies générées ont généralement le statut de document, ces images dégagent de puissantes émotions, qui ont quelque chose à voir avec l'apparition du spectral, du lointain, de "l'aura" dont parlait Walter Benjamin dans son fameux texte "L'oeuvre d'art à l'époque de sa reproductibilité technique".

L'aspect pervers de cette opération est qu'elle accélère parfois la disparition de ce qu'elle entend préserver. On garde une trace à jamais, et l'original peut disparaitre sans risque. On sait que Theodore Roosevelt a encouragé le travail de Edward Curtis car celui-ci archivait des peuplades qui, pour lui, avaient leur place uniquement dans les livres d'histoire.

Le document

Une approche de type documentaire est généralement recommandée pour ce type de travail. Qu'est ce qu'un document photographique ? Il n'existe pas de réponse mais plutôt des usages. Les époux Becher représentent un des plus grands rigorismes de cette approche, on peut en extraire l'essence :
– L'objectivité se veut du côté de l'objet, le sujet doit s'y effacer.
– On adopte la meilleure position par rapport à l'objet pour en tirer le maximum d'informations utiles. De face, de profil, en plongée, cela dépend du sujet et des conditions générales de la prise de vue.
– On essaie de constituer des séries, un approche relativement systématique donc des objets visés. On constitue donc un "objet". "La ménagère" peut être un objet.
– On essaie d'avoir une approche cohérente des objets de la série, les conditions de prise de vue tendent donc à être maitrisées dans ce sens.

Résultat

L'évaluation portera sur la capacité à faire un usage personnel et/ou détourné de la notion de document et d'archivage. Ni virtuosité, ni originalité à tout crin n'est nécessaire. On évitera de nouveau les fameuses " réponses techniques ". Pousser le bouton en répondant aux critères n'est pas suffisant.

Ari Versluis et Ellie Uyttenbroek (Exactitudes.com)

stephane — 2010-04-25T18:50:41Z

Il est photographe et elle est profileuse. Ils sont intéressés par le rapport entre mode vestimentaire, codes sociaux et identité.

Le couple commence la série des "Exactitudes" (qu'il présentent comme la contraction de "exact" et "attitudes") en octobre 1994 avec un travail de commande sur les gabbers (fans de techno hardcore) néerlandais.
Frappés par l'homogénité entre ces amateurs de rave parties (même age, mêmes vêtements, même attitude), ils vont renforcer le dispositif de prise de vue en faisant prendre la même pose aux sujets photographiés.

01.-Gabbers-Rotterdam-1994

Systématisme, paramètres et neutralisation : l'approche moderne

L'art moderne au long du vingtième siècle, s'est distingué de l'académisme en rejetant les conventions des beaux arts. Une de ses stratégies a été d'emprunter à l'approche scientifique certaines de ses méthodes, pour faire de l'artiste un chercheur spécialisé.
Les artistes vont par exemple revendiquer une bonne connaissance de l'histoire de l'art et de leur médium, se placer en continuité et rupture avec leurs pères. Le minimal art va être un point culminant de cette approche, un artiste comme Robert Ryman par exemple va aborder la peinture en utilisant la série, le travail sur chaque paramètre de la peinture de manière systématique : quel support, quelle viscosité de peinture, quel pinceau, quel surface employer, et quel résultat chaque modification de paramètre va elle produire sur l'esthétique produite. Se crée une distance à sa pratique et se veut en rupture avec le modèle romantique, celui d'un Pollock s'activant saoul au dessus dans la toile dans un bouillonnement créateur incontrôlé.
La photographie, médium moderne par excellence, a posé la question de la distance et des paramètres de prise de vue avec un peu d'avance sur les beaux arts : sa valeur de document, la mécanique de sa production, son articulation en série va générer une famille, plusieurs génération de photographes allant de Atget aux Ari Versluis et Ellie Uyttenbroek, en passant par Walker Evans et les époux Becher.

Le travail d'Exactitudes puise pleinement son esthétique dans l'histoire de la photographie : elle contrôle les conditions de prise de vue grà¢ce au studio. La photographie couleur, le fond blanc, l'appareil à hauteur de poitrine, l'éclairage homogène, le cadrage américain, sont des paramètres fixés qui permettent une comparaison entre les "objets" photographiés, amenant notre attention sur les similitudes et différences entre ceux-ci.

Des visages et des corps en 2000

La photographie de portrait est un genre riche et divers. Le rapport entre groupe social, origine culturelle et identité y est tout aussi importante que celle de la beauté. Les photographes de portrait vont donner des visages tout au long du 20eme siècle aux grandes figures de l'art, de la politique et des sciences, mais aussi aux minorités, au groupes sociaux, aux métiers, aux classes sociales, aux régions, aux événements historiques les plus divers.

Les séries d'Exactitudes ont pour background les années 2000 et la question du village global. Quelle place pour l'individu dans les démocraties de masse, quelle place pour les groupes sociaux dans la globalisation, quelle place pour le style vestimentaire quand l'industrie du vêtement en est à sa cinquième révolution ?
Le studio de Ari Versluis et Ellie Uyttenbroek ne peut donc qu'être portatif, et son sujet éclaté sur plusieurs pays et minorités. Cependant, ce qu'ils cherchent sur ce territoire gigantesque sont des effets identitaires forts le point de convergence entre le culte de l'unique martelé par la publicité et le désir d'appartenance, dernière parade à l'atomisation des sociétés industrielles.

Les grandes villes des Pays-Bas, cosmopolites, ont une tradition d'ouverture, ce qui fait de Rotterdam, la ville d'origine et premier sujet des photographes d'Exactitudes, un des avant-postes d'une globalisation confiante dans les bénéfices de la mixité sociale et culturelle.
Le retour de l'extrême droite dans ce pays n'est d'ailleurs pas sans donner une certaine urgence à ce travail : tout comme le "Hommes du 20eme siècle" de Sander, il montre que le visage d'un pays est riche et complexe, et ne peut être réduit à quelques catégories restrictives.

mamies

Individu, minorités dans un monde globalisé

Le sujet d'August Sander était la relation entre la fonction sociale et l'identité. En 2010, le tertiaire est triomphant et on ne peut plus imaginer un rapport aussi direct en une personne et son encrage social. Le rapport entre géographie et culture est bouleversé par les moyens de déplacement, la circulation de l'information achève de brouiller les pistes. Les groupes identifiés par les photographes de Exactitudes.com sont ici clairement des minorités, des grumeaux de la soupe globale auxquels ils donnent des noms et des descriptions ironiques :

Yupsterboys : Ipod plugged t-shirt generation on wheels that won't grow up. Never shave !

Chefs de Confort Moderne Invisible : middle-of-the-road-family-
men, living a day-to-day working life. Buying everything, from socks to insurance, at the self serving Supermarche.

Ces grumeaux sont par contre localisés : les deux photographes les rencontrent dans des lieux précis à des moments précis. Il s'attachent à dégager des sous-cultures locales, qui se marquent par des codes vestimentaires et des postures de corps. Nous ne sommes donc pas ici dans un déni de la notion d'identité, ni dans un déni de la notion de culture, ni dans le déni de la géographie, mais dans sa redéfinition suivant des dynamiques autres. Le travail d'Exactitudes porte un jugement ironique sur le codes stéréotypés de notre culture individualiste, mais il n'est ni cynique ni défaitiste.

La photographie s'avère être un outil puissant pour inventorier les finesses des codes vestimentaires, la répétition dans la différence. Au-delà d'un collage de signes, des corps continuent à prendre place dans l'image, qui nous parlent de la survie en milieu urbain, de la négociation permanente que nous entretenons avec l'autre.

Voir en ligne : Le site

Exercice 11 : reportage et documentaire

stephane — 2010-03-29T11:04:50Z

Le reportage est une des formes la plus courantes de notre consommation d'images photographiques. C'est un genre en soi, important historiquement. Le reportage est lié à la notion de document, mais il s'est souvent, à raison, détaché de la quête de l'objectivité pour devenir partisan, engagé, dénonciateur.

If your pictures aren't good enough, you aren' close enough
(si vos photos ne sont pas bonnes, c'est que vous n'êtes pas assez près).
Robert Capa

Contingence du photographe de presse

La photographie de reportage est liée à l'industrie de la presse, ce qui signifie que si vous voulez placer vos images, il sera important de travailler en symbiose avec elle : partir au Burundi quand tout le monde regarde l'Iran sera certes louable, mais risqué. Le travail du reporter est donc souvent fait d'une négociation entre intéret personnel, impératifs de l'actualité et orientation de l'organe (ou des organes) de presse auquel on s'attache.

Il y a bien sûr d'autres attitudes possibles, les "grands reporters" ont une plus grande marge de manoeuvre par exemple, et il est toujours possible de partir à l'encontre de toutes les tendances faire des reportages free-lance sur des sujes dits "personnels" ou "engagés". Mais c'est prendre le risque d'investir argent et temps sans espoir de publication, ce que peu de reporters peuvent se permettre.

Esthétique et information

Le reportage est largement dominé par des codes esthétique mis en place dans les grandes agences internationales d'après-guerre. Lisibilité de l'image, composition simple orientée sur l'impact visuel, sujet en connection directe avec le sujet général du reportage, usage de la focale courte (nous parlons ici du reportage d'actualité, distinct du reportage sportif et de la presse people, dominés par d'autres codes).

Approche du sujet, déontologie et moralité

Le comportement du reporter lors de son travail dépend fortement de sa psychologie mais le reporter a pour vocation d'aller à la recherche d'une information, parfois inaccessible, cachée, occultée, rare, dangereuse parfois. Le respect de l'autre peut se conjuguer avec cet impératif de métier, mais les conditions réelles (le manque de temps surtout) rend ce métier intrusif, parfois grossier. La proximité nécessaire à arracher l'information et le détail pousse le photographe de reportage à entrer physiquement dans l'espace de l'autre, à en forcer l'intimité. Pour ce faire, un arsenal de justification a été fourbi depuis les débuts du reportage, allant d'un désir de vérité au cynisme du métier. La plupart du temps, une bonne dose d'indifférence due à l'expérience suffit. Les photographes de presse se comparent eux-mêmes souvent à des mercenaires.

Des personnes comme Walker Evans, Edward Curtis, Bernd et Hilla Becher, essaie d'étendre la notion d'événement, d'informations, ce qui produit des images parfois nettement différentes.

L'exercice

Produire 10 à 20 images autour d'un événement ou d'une situation, qui implique en partie au moins des personnes et des lieux inconnus de vous. Le but est de se confronter à un monde extérieur sans en avoir tous les repères. Cette confrontation est importante, et si elle n'a pas lieu, l'exercice sera considéré comme raté.

Produire au moins 2 reportages de 10 images sur des événements "one shot", c'est à dire des événements limités dans le temps.

Produisez des images aptes à rendre intelligible cette situation, éventuellement accompagnée de 4 lignes de texte. Le contexte du reportage sera de toutes façons demandé lors du débriefing.

Ne partez pas avec quelque chose de trop précis en tête en terme de concept ou de mise en situation. Le reportage est un art de l'improvisation, de la mobilité, de l'attente, de l'intuition. Nourissez l'ensemble d'images produites par des vues "non événementielles". Des détails, natures mortes, paysages, peuvent donner une vision plus distanciée, plus élargie, de l'événement choisi.

Les images doivent être construites pour donner un impact visuel fort, qui va faire de chaque image une entité, une image, avec un impact visuel et/ou émotionnel. Le travail plus que jamais articule des images fortes pour en faire une série cohérente.

Un conseil
Couvrez un événement ou un sujet avec au moins une soixantaine de photographies. Le numérique permet la générosité en nombre de vues sans que ça ne coûte autre chose que votre temps. De là , dégagez une série, de 10 à 15 images, qui soient cohérentes. Cohérent ne veut pas dire semblable, la diversité des points de vues physiques sont en accord avec une "vision" de votre sujet. Au final, on doit pouvoir dégager votre point de vue sur le sujet traité.

Exercice 10 : photographie et ready-made

stephane — 2010-03-07T22:52:26Z

Les appareils légers ont permis à de nombreux photographes de développer une pratique de glaneur : capter des images du réel comme autant d'objets trouvés.

Le ready-made est une pratique apparue de manière informelle à la fin du 19eme (Degas) et radicalisée par Duchamp. Geste violent, refusant le savoir faire séculaire des artistes, testant les limites des l'art et de ses institutions de légitimations, il va ouvrir un continent entier que plusieurs générations d'artistes vont explorer.

L'appareil photographique sera leur Winchester. Les années 80', en surexploitant le ready-made, l'a tué pour quelques décennies.

La relation entre photographie et ready-made est évidente. La photographie suspend ce qui est placé devant l'appareil, le déplace de son contexte d'origine, pour lui donner un sens nouveau par le cadrage, la lumière, mais aussi par son déplacement d'un lieu à un autre : depuis l'atelier jusque dans le musée, depuis la rue jusqu'à votre écran luminescent. Encore une fois, c'est le caractère " automatique " de l'image photographique, son statut de trace, d'empreinte, d'objet dénué de gestuelle artistique, qui va la placer au coeur du débat. En 1990, les Becher reçoivent le grand prix de sculpture à la Biennale de Venise. C.Q.F.D.

L'exercice

Comme d'habitude, 10 images sont attendues en réponse à cet intitulé d'exercice. Trouvez un " mode opératoire " cohérent. Installations métaphorique, objets trouvés en rue, assemblages improbables, partie d'un tout devenant autonome, etc.

Durée

2 semaines.

Résultat

L'évaluation portera sur la capacité à faire un usage personnel et/ou détourné du thème du readymade. Ni virtuosité, ni originalité à tout crin n'est nécessaire. On évitera de nouveau les fameuses " réponses techniques ". Pousser le bouton en répondant aux critères n'est pas suffisant.

Exercice 9 : simulacre et mise en scène

stephane — 2010-02-19T23:31:00Z

Bien que le numérique et la vulgarisation des logiciels de retouche semblent avoir balayé définitivement la notion d'authenticité, la photographie est encore régulièrement brandie comme preuve (la pyramide de corps de la prison d'Abou Gharib en est un récent exemple). Mais comme preuve de quoi, exactement ?

La véracité de la photographie tient principalement au fait qu'elle est techniquement une empreinte lumineuse. De la même manière que l'empreinte de doigt sur le verre est la preuve que vous l'avez touché, l'empreint lumineuse sur la pellicule (ou le capteur) est la preuve d'une présence, à un moment donné, devant le système de capture qu'est l'appareil photo. Au dela de ce simple indice (on parle de signe indiciel), la photographie ne dit plus rien de "vrai". Le reste est abus. Circonstances, lieux, significations sont des extrapolations sur base de cet indice.

Simulacre

Le simulacre est définit par Jean Baudrillard comme étant cette " vérité qui cache le fait qu'il n'y en a aucune ".

La photographie est une représentation, la distance entre elle et son référent est vertigineuse comparée à la reconnaissance immédiate dont jouit ce type d'image. Même avec les meilleures intentions du monde, le contexte de réception de l'image va produire des distorsions. Alors que dire de la fabrication des simulacres ? Ils sont très courants, banals même. Embrasser sa mère pour une photographie souvenir, alors qu'on ne la touche plus depuis des années, c'est produire un simulacre, qui va donner une image idyllique, pour le futur, d'une relation.
Cependant des simulacres sont créés chaque jours à des fins moins innocentes, de la fausse image de presse au visage retouché des mannequins, pour influer sur notre jugement ou façonner nos modèles, sous couvert de naturalisme. Le simulacre est souvent associé à la tromperie, a l'immoralité, à l'ironie et la manipulation.

Mise en scène

Proche du simulacre, la mise en scène consiste à préparer une image, à la construire plutôt que la saisir sur un mode fortuit, improvisé, accidentel. Cependant, la mise en scène n'est pas toujours simulacre : l'apprêt peut être visible et faire partie de la raison d'être de l'image. La photo de mariage, dans le parc, tous deux tournés vers la caméra sur fond de lac, est une mise en scène, mais qui croirait que le couple se trouvait là par hasard ?
La mise en scène prolonge la construction picturale, elle s'affirme donc par une maitrise de l'image, de sa composition, des éléments qui entrent ou sortent du champ. Elle est pour le professionnel la marque de fabrique, la manifestation d'un savoir faire et de la maitrise de son art.

Quoi faire

Deux grandes catégories de simulacres nous intéressent :
– fabriquer une image qui semble "naturelle", et qui soit en fait un faux
– fabriquer une image visiblement fausse, par des artifices divers (éclairages, accessoires, décor, vêtements, figurants).

Créez des simulacres :
– créez une fausse intimité avec de parfaits inconnus
– semblez naturel dans des situations qui vous sont parfaitement étrangères
– créez une fausse activité
– créez une situation parfaitement absurde
– créez un tableau poétique, moraliste, politique
– créez une situation dans laquelle tout soit naturel mais semble artificiel
– créez une situation dans laquelle tout est vrai sauf un élément

Nous avons aussi réalisé un exercice sur le portrait, dans lequel la situation pouvait être construite, donc "artificielle". Disons que dans cet exercice l'artifice est le centre de votre série, même s'il est dissimulé, voire conceptuel.

Attention : ce cours s'intéresse uniquement à la prise de vue, pas à la post-production. Bien que quelques exemples de retouche et de montage soient montrés, vous rendrez uniquement pour ce exercice des images brutes, sans retouche.

Veuillez penser à la cohérence de votre série, il vous en sera demandé le concept. 10 images, évitez les doublons. Un peu d'audace et de l'imagination.

Exercice 8 : le paysage

stephane — 2010-02-07T22:54:46Z

Le paysage est un genre qui préexiste à la photographie, mais qui va recevoir avec elle de nouvelles dimensions. L'époque dans laquelle la photographie naît est portée à la découverte du monde, le médium photographique va devenir un moyen de faire revenir des images d'un grand ailleurs, de se l'approprier par l'image, de trouver une mystique dans ses manifestations, ou du pittoresque, d'affirmer sa brutalité, son irreproductibilité, sa beauté.

Ce n'est pas un hasard si le moment où l'on veut dépeindre le monde (sauvage, domestiqué) est aussi le moment où ce monde perd sa grandeur : les distances se franchissent plus facilement, le ballon puis l'avion vont permettre de l'embrasser du regard à des échelles jamais vues, des cartes détaillent tous les points du globes. L'homme domine désormais un espace clos. L'industrialisation, qui prend son envol au 19eme siècle, et va transformer la perception que l'homme a du monde, est aussi une des conditions de l'invention de la photographie.

On peut considérer que le paysage devient un sujet pour l'homme moderne au moment ou cesse d'être lointain, effrayant, sauvage, pour devenir un lieu de seconde résidence. C'est en effet l'homme urbain (et le bourgeois) qui regarde la nature et invente le concept même de paysage.

Tantôt la photographie de paysage permettra d'affirmer l'évidence de l'existence de Dieu, tantôt de la nier. Toutes sortes d'approches qui cassent l'idée que le paysage ressemble à un autre paysage.
Ici encore, ici surtout avec ce genre assez difficile parce que trop rebattu, la notion de série permet de dégager les constantes et les variations. Position de l'appareil, positionnement de l'horizon dans le cadre, la verticalité ou horizontalité de l'image, la visibilité ou non de l'horizon, la part de l'humain dans l'image, la visibilité d'êtres humains dans l'image, l'échelle captée, le rapport entre avant-plan et arrière-plan, l'abstraction ou lisibilité de l'image sont autant de paramètres qui permettent d'affirmer, littéralement, une vision du monde.

Quelques précautions

La nature est un concept douteux, et on pourra donc se jouer du terme, mais une part de ce que le sens commun appelle "nature" doit apparaître dans l'image. Il n'y a pas de délimitation claire donc, et les exemples montrés sont là pour baliser votre travail.

Le paysage peut être vu comme :
– Un espace mystérieux dans laquelle la nature domine
– Un espace effrayant dans laquelle la nature domine
– Un espace merveilleux dans laquelle la nature domine
– Le lieu dans lequel s'exprime Dieu
– Le laboratoire délaissé par Dieu
– Un lieu merveilleux ordonné par l'homme
– Un lieu horrible dominé par l'homme
– Un endroit où la sauvagerie domine encore
– Un lieu qui s'équilibre autour de forces contradictoires
– Un endroit qui n'appartient à personne
– Un lieu qui appartient à tous
– Un endroit souillé, témoin d'une beauté ancienne
– Un endroit sale que les hommes ont a ordonner
– Un endroit menacé par l'appétit des hommes
– Un endroit calme, violent, reposant
– Une métonymie du monde
– Un fragment aléatoire du monde
– Un espace à conquérir
– Un lieu de négociation entre le divin et le terrestre
– Un lieu pétri de culture

L'exercice

Dans la continuité de l'exercice sur le portrait, nous travaillerons l'ensemble des images comme une série, c'est à dire reliées entre elle par un lien explicite ou secret, narratif, thématique ou procéduriel.
10 photographies au moins sont à pourvoir. Veillez à la cohérence de l'ensemble, et à une certaine qualité de chaque image. Veillez aussi à ne pas produire des images de trop petites dimensions, le paysage est un genre qui aime le détail, et la qualité technique. La matière de l'image fera partie de l'image : contraste, flous, horizontalité du cadre, influent fortement sur l'interprétation de l'image. Encore une fois, toute contrainte peut être contournée. Cependant, pour ne pas faire éternellement les mêmes images de chambres d'étudiants (car un pot de fleur pourrait être considéré comme un paysage) il est posé comme contrainte de faire ici un travail en extérieur. Et de ne pas les sortir d'internet.

Durée

3 semaines.

Résultat

L'évaluation portera sur la capacité à faire un usage personnel et/ou détourné de la notion de paysage. Ni virtuosité, ni originalité à tout crin n'est nécessaire. On évitera de nouveau les fameuses "réponses techniques". Pousser le bouton en répondant aux critères n'est pas suffisant.

Nicholas Nixon

stephane — 2010-02-01T00:15:20Z

Photographe américain né en 1947. Il se consacre à la photographie après des études littéraires, et va très vite trouver dans le portrait son genre de prédilection. Il est considéré comme faisant partie des "new topographics", héritier de l'approche documentaire d'un certain Walker Evans.

Les photographies de Nicholas Nixon produisent un trouble fort, certainement dû à l'écart présent entre sa technique photographique très rigoureuse et son sujet principal, le portrait intime.

Distance et proximité de la photographie

Dès le début de sa carrière Nixon travaille avec un appareil grand format (le fameux 4X5 inches, avec ses négatifs de 10 X 13 centimètres), ce qui implique une plus lourde logistique que le 24X36, et une plus grande lenteur dans le travail. C'est une forme d'hommage à la grande tradition photographique documentaire, qui l'a beaucoup influencé, et notamment Walker Evans, le père de la photographie documentaire américaine. Le travail à la chambre est plus lourd et les temps de pose ont tendance à être beaucoup plus long, ce qui contrairement à ce que l'on pourrait croire, constitue un avantage pour Nixon. Elle lui permet de capturer de "plus large tranches de temps".

When photography went to the small camera and quick takes, it showed thinner and thinner slices of time, [unlike] early photography where time seemed non-changing. I like greater chunks, myself. Between 30 seconds and a thousandth of a second the difference is very large

La chambre technique, utilisée pour sa plus grande qualité de détails et ses qualités d'"objectivité", Nixon l'emploie cependant pour photographier des personnes proches, parfois même intime. La clé de son travail se trouve dans l'écart insoluble que crée l'image : faite par un seul et vue par beaucoup, prélevée à proximité et restituée à distance.
Plutôt que de forcer la photographie à rester proche de l'expérience de sa fabrication, comme le fait Nan Goldin par exemple, Nixon prend acte de cet écart et nous met en présence de corps tendus entre un intime presque trop proche et l'étranger le plus glaçant.

Ce qu'il y a de plus profond en l'homme, c'est la peau [1]

Au cours de années 70, il photographie des "gens", et donne des titres assez distants comme "Taunton Avenue, Hyde Park, Massachusetts". Les photographies sont plutôt des photographies de groupe, des personnes anonymes, du voisinage et un peu plus loin, dans lesquelles Nixon cherche a garder quelque chose des relations entre les personnes et de la situation.

Des photographies très rigoureuses dans leur cadre, mais intense dans la présence des regards et des corps. Nixon n'a pas peur d'y photographier des personnes de couleur noire, ce qui est techniquement difficile, dans des images riches en détails et textures. Sa maitrise de la photographie noir et blanc attire immédiatement les faveurs des critiques et il apparait en 1975 déjà dans la célèbre exposition "new topographics" de William Jenkins, qui aura une influence énorme sur la photographie des années 80'.

Sa technique de tirage est souvent le contact sheet, une image réalisée en déposant le négatif directement sur le papier, ce qui donne un tirage de la taille exacte du négatif, 10 X 13 cm. Là encore, la proximité et la maximisation du détail sont pointés par l'artiste.

Les soeurs Brown

Le travail le plus célèbre de Nixon est la série de portraits appelée "the Brown sisters". Il s'agit d'une série de plus de 30 portraits, ayant pour sujet la femme de Nicholas Nixon et ses 3 soeurs, portraits de groupe réalisés entre les années 70 et aujourd'hui, à la fréquence de une par an. Les soeurs y apparaissent, année après année, toujours dans le même ordre sur l'image, mais les poses y sont différentes à chaque fois, témoignant d'une dynamique familiale changeante.

The Brown sisters est un travail simple dans sa méthode, mais riche dans la matière qu'il nous offre. Simple photographie familiale, matériel sociologique sur la femme américaine, vibrant hommage d'amour à la beauté des femmes ordinaires, fascination pour le travail du temps sur les visages, analyse psychologique sur les rapports familiaux, la série est tout cela à la fois. Son succès est considérable et elle a valu de nombreux prix à leur auteur. Pourtant, si les images sont chaleureuses (les soeurs s'y enlacent souvent, le regard pointé vers l'objectif, vers Nicholas Nixon lui-même), elles le sont par la nature du sujet. C'est la déontologie de Nixon même que de laisser le sujet donner sa part à l'objectif.

Decay

L'approche de Nixon a aussi produit de la controverse autour de série comme "people with aids" (1991) ou même ses images produites dans des maisons de retraite. Nixon y pratique la même proximité dans l'approche humaine et la même distance dans sa restitution, ce qui a conduit des membres d'act up à le considérer comme un voyeur qui ne montre que la laideur.

Ses images de home pour personnes agées, sobrement appelée "Old people" montrent la vieillesse avec, en effet, peu de romantisme et une certaine fascination pour la peau marquée -au sens propre et figuré - par l'age, dans des tirages noir et blanc riches de détail et d'une beauté clinique.
Mais s'il y a ben quelque chose que nous apprend la photographie de Nicholas Nixon, c'est que présence et beauté ne sont pas synonymes.

[1] Paul Valery, "IdeÌ e fixe"

Exercice 7 : le portrait

stephane — 2010-01-25T07:45:56Z

Le portrait photographique est bien sûr, historiquement, dans la lignée du portrait dessiné ou peint. Il a cependant bousculé ce genre : l'accessibilité de la photographie va en faire dès ses début le médium par excellence du portrait, va le démocratiser, le "vulgariser". L'image photographie va aussi être utilisée dans un grand nombre d'applications qui n'existaient pas auparavant : carte d'identité, avis de recherche, archivage policier ou ethnologique, etc.

Les photographes intéressés par le genre noble du portrait vont donc devoir se positionner de la production mécanique et quotidienne de ces portraits. Entre l'intérêt premier pour un individu posé face à l'appareil, et constitution d'une approche du portrait qui soit une position artistique, toutes les variantes existent. L'identité, l'anonymat, le rapport entre individu et groupe ethnique, familial, culturel sont des problématiques qui traverse ce genre.

Approcher le portrait

Il ne doit plus exister en occident une seule personne au delà de 12 ans qui n'ai jamais capturé le portrait de ses semblables, sur demande et/ou par envie personnelle. C'est une des pratiques les plus premières, simples et évidentes de l'appareil photographique. Ce qui est visé ici, c'est la production d'une approche du portrait via le système de la série. Une série permet d'affiner une approche par l'expérience répétée, de reconnaître des similitudes dans les différences et donc construire un propos qui dépasse chaque image prise isolément.

Un portrait comporte un nombre impressionnant de paramètres :
– Photo en intérieur ou en intérieur ?
– Des personnes proches, connues, ou des inconnus ?
– Quelle distance entre l'appareil et le sujet ?
– Quelle focale est utilisée, quelle place occupe le sujet dans le cadre ?
– Le sujet est-il dans son environnement ou dans un lieu inconnu ou encore neutre ?
– Quelle place occupe l'environnement dans le cadre ?
– Le sujet est-il mobile ou immobile ?
– Le sujet est-il consentant, forcé a poser ou ignorant ?
– Essaie-t-on de créer du confort ou de l'inconfort pour le sujet ?
– Est-il passif ou en interaction avec le photographe ?
– ...

L'exercice

Produire 10 portraits (ou plus) qui contienne un qualité propre, mais aussi une cohérence d'ensemble. Par quoi passe cette cohérence ? C'est là votre travail. Rappelez-vous qu'elle peut être technique ou méthodique, être dans votre approche ou dans le sujet lui-même.

Attention au piège du truc. Halsman, un photographe de stars, a fait une série de portrait dans laquelle il fait sauter ses sujets : Marilyn Monroe, le duc de Windsor, etc. C'est devenu un des ses travaux phares, et un sommet dans l'art du "truc" à la con.

Durée

3 semaines. Remise des photographies sur clé usb, sur CD ou par mail à l'adresse stephane.noel.stock-arobase-gmail.com.

Résultat

L'évaluation portera sur la capacité à faire un usage personnel du genre "portrait". Ni virtuosité, ni originalité à tout crin ne sont nécessaires.

Exercice 6 : Hors du champ

stephane — 2010-01-11T11:54:47Z

Le hors champ est constitutif d'un médium comme la photographie, qui prélève optiquement un morceau de réel. Le hors champ est ce qui échappe au champ de la capture à la fois dans l'espace (ce qui est autour de l'image), dans le temps (ce qui se passe avant et après), et dans le contexte (la contexte social, historique, politique, la signification de l'image).
Dans la construction narrative de l'image, le hors champ crée un mystère, un effet d'ellipse, un vide à combler par l'imagination, casse la chaîne causale. Dans la construction de la composition de l'image, le hors champ crée un vide, une aspiration vers la périphérie, un déséquilibre dynamique.

Le hors champ est une question esthétique importante, aux multiples implications politiques, éthiques. Isoler un moment peut être cruel, isoler un événement de son contexte peut le rendre ridicule, révoltant, fantastique. C'est une responsabilité pour le photographe de doser ce qui entre et sort d'un champ, et chaque approche photographique a sa manière de gérer cette notion. Le hors champ nous intéresse donc parce qu'il oblige à construire une situation en partie reconnaissable, en partie dissimulée, créant ainsi une tension supplémentaire.

Mettre hors champ

Mettre hors champ une partie importante d'une situation est un bon exercice pour sortir de la "photographie de sujet", c'est-à -dire la photographie que l'on fait parce que l'on veut photographier quelque chose de précis (maman, mets-toi à côté de papa). C'est affirmer la nature imparfaite de l'image photographique, et de la vision même, c'est aussi faire entrer dans le champ des objets et situations inattendus. C'est ouvrir le champ. Faites donc ça sur 10 images.

Le hors champ peut-être :
– Le sujet coupé : le plus simple a réaliser, mais au final difficile à utiliser. Couper la tête de quelqu'un qui pose visiblement pour l'objectif. Il faut que le sujet soit évident, que la portion hors champ soit signifiante pour que ça marche. Il ne suffit pas de décaler le champ de l'image.
– la disposition de l'information sur les bords de l'image. Vider le centre, utiliser les bords et les coins pour construire l'image est une méthode assez efficace.
– le contexte de l'image : une tension perceptible, mais en suspend car incompréhensible si on ne connait pas le contexte. Pour réussir ce type d'image, il faut que l'importance de ce contexte soit perceptible, un construction dramatique forte doit être mise en place. La photographie de la "vallée des boulets" de O'sullivan par exemple.
– Le all-over : terme issu de la peinture abstraite, le all-over désigne l'utilisation de la surface visible de manière non discriminée : les détails abondent, renvoyant l'image à son statut de fragment. La photo de nuage de Stieglitz par exemple.
– Le hors-champ ramené dans le champ : par le truchement d'un reflet, d'une ombre, d'un écran, ramener l'image qui devrait être hors du champ à l'intérieur de celui-ci rappelle le caractère fragmentaire de l'image photographique. La scène de rue d'Engel par exemple.
– L'extrême apparition d'un contexte extérieur à l'image : le bord de l'image, un détail révèle quelque chose d'importance, qui change l'interprétation de celle-ci. Le portrait par Irvinn Penn de Capote par exemple.
– Le photographe lui-même, dont la présence, évidente intellectuellement, devient manifeste par la construction de l'image. Le portrait de l'enfant à la grenade de Diane Arbus par exemple.
– Le spectateur plutôt que la scène : un décalage simple qui montre celui qui voit la scène plutôt que la scène. Pour que la photo marche, ce qui s'y passe doit en partie se voir dans le comportement du ou des spectateurs.

La série

La première partie de l'année était centrée autour de notions techniques. Bien que j'y demandais un dépassement de la simple réponse technique, celle-ci prenait une place prépondérante.
Dans cette deuxième partie de l'année il ne sera plus question de technique, même si on en est jamais débarrassé. Il sera plutôt question d'approche, de cohérence, de construction d'un propos à travers la notion de série. La série est un outil puissant en art, mis en place surtout par la modernité. Il permet de dégager des invariants, d'affirmer des choix esthétiques, d'évacuer l'accident par l'affirmation des méthodes, sujet, techniques cohérents. La série pose aussi le risque de l'essoufflement, de la redondance, de la répétition lassante.

L'exercice

Produire 10 photographies comportant une tension entre ce qui est présent dans le champ et un hors-champ. Chaque image doit avoir un qualité propre, mais l'ensemble des images doit présenter une cohérence même diffuse. Par quoi passe cette cohérence ? C'est là votre travail. Rappelez-vous qu'elle peut être technique ou méthodique, être dans votre approche ou dans le sujet lui-même.

Durée : 2 semaines.

Résultat : l'évaluation portera sur la capacité à faire un usage personnel du hors-champ. Ni virtuosité, ni originalité à tout crin ne sont nécessaires.